Track: il murale di Arturo Herrera per OGR a Torino

Da ottobre 2017 fino al 1 gennaio 2020 presso le OGR, le Officine Grandi Riparazioni di Torino, si può ammirare Track è l’opera site-specific realizzata da Arturo Herrera per la parete d’ingresso delle Officine Nord. Realizzato interamente con un unico colore, un blu terso e vibrante, Track accoglie i visitatori e li invita ad esplorare l’offerta culturale di OGR.

Il dipinto murale combina linee di varie dimensioni e spessori a formare un intricato reticolo che ricorda il tracciato di binari ferroviari o una serie di sentieri che si incontrano dipanandosi in varie direzioni, suggerendo anche un intreccio di rami e alberi che si protendono verso l’alto. Il dipinto veicola, attraverso il suo reticolo di linee, l’idea di intenso movimento suggerendo alcuni dei valori cardine delle OGR: interconnessione, fluidità ed energia.

Papiro tour a Torino – L’antico Egitto in Biblioteca – Mostra itinerante

Fino al 29 marzo 2020 il Museo Egizio di Torino celebra la lettura, in occasione del 150° anniversario dell’istituzione del Servizio Biblioteche, con un progetto speciale: una mostra itinerante dedicata ai papiri, in particolare al Libro dei Morti, alla scoperta dei geroglifici e altre forme di scrittura egizia.
Al centro del percorso espositivo è presente una replica del Libro dei Morti di Taysnakht realizzata su papiro nell’ambito di “Liberi di Imparare”, un progetto nato dalla collaborazione con la Casa Circondariale Lorusso-Cutugno di Torino. Parallelamente alla mostra saranno organizzati appuntamenti di approfondimento e altre attività per adulti e bambini.

La rete delle Biblioteche Civiche Torinesi conta 18 sedi e un Bibliobus itinerante, con tre punti presso la Casa Circondariale “Lorusso-Cutugno” e l’Istituto Penale per i Minorenni “Ferrante Aporti”. Ai servizi di prestigio e alla biblioteca digitale, si aggiungono ogni mese incontri, gruppi di lettura e altre attività.

LE TAPPE DELLA MOSTRA:

10 APRILE > 4 MAGGIO 2019
BIBLIOTECA CIVICA
DON LORENZO MILANI

7 MAGGIO > 9 GIUGNO 2019
BIBLIOTECA CIVILE PRIMO LEVI

12 GIUGNO > 29 GIUGNO 2019
BIBLIOTECA CIVILE CENTRALE

2 LUGLIO > 26 LUGLIO 2019
BIBLIOTECA CIVICA MUSICALE
ANDREA DELLA CORTE

3 AGOSTO > 1 SETTEMBRE 2019
MAUSOLEO DELLA BELA ROSIN

3 SETTEMBRE > 28 SETTEMBRE 2019
BIBLIOTECA CIVICA ITALO CALVINO

2 OTTOBRE > 26 OTTOBRE 2019
BIBLIOTECA CIVICA CESARE PAVESE

5 NOVEMBRE > 23 NOVEMBRE 2019
PUNTO DI SERVIZIO BIBLIOTECARIO
I RAGAZZI E LE RAGAZZE DI UTØYA

27 NOVEMBRE 2019 > 4 GENNAIO 2020
BIBLIOTECA CIVICA
DIETRICH BONHOEFFER

10 GENNAIO > 31 GENNAIO 2020
BIBLIOTECA CIVICA NATALIA GINZBURG

5 FEBBRAIO > 29 FEBBRAIO 2020
BIBLIOTECA CIVICA RITA ATRIA

4 MARZO > 29 MARZO 2020
BIBLIOTECA CIVICA VILLA AMORETTI

Dal 10 aprile 2019 fino al 31 dicembre 2020 INGRESSO GRATUITO al Museo Egizio per gli iscritti alle Biblioteche Civiche Torinesi.
E’ necessario presentare la tessera e un documento di identità in biglietteria. La promozione non è valida per i biglietti acquistati online, per i biglietti con prenotazione e per i gruppi superiori a 10 persone.

FacceEmozioni al Museo Nazionale del Cinema nella Mole a Torino

1500 – 2020: Dalla fisiognomica agli emoji

Dal 17 luglio 2019 al 6 gennaio 2020 all’interno della Mole Antonelliana nel Museo Nazionale del Cinema si terrà la mostra “FacceEmozioni” conta gli ultimi 5 secoli di storia di questa pseudoscienza. Un percorso emozionale tra maschere e sistemi di riconoscimento facciale che conferma ancora una volta come il volto sia il più importante luogo di espressione dell’anima dell’essere umano.

La mostra prova a tessere le fila di un discorso antico – le cui origini risalgono addirittura ad Aristotele – per arrivare ai nostri giorni e cerca nei tratti del volto, ma anche nella sintesi grafica degli emoji, i riscontri dei caratteri e delle emozioni delle persone: una sorta di “catalogo” capace di catturare gli occhi e di sedurre la mente dei visitatori, chiamati a specchiarsi e a riconoscere il loro volto in una folla di visi tratteggiati, caricaturizzati, deformati, sublimati a partire da Leonardo da Vinci fino a un futuro che è già cominciato.

La mostra – a cura di Donata Pesenti Campagnoni e Simone Arcagni  – ha aperto al pubblico il 17 luglio in occasione del World Emoji Day, la giornata mondiale degli emoji, proponendo un OPEN DAY con ingresso speciale a 1 euro per tutti e tante attività per adulti e bambini.

180 opere in mostra che includono 82 riproduzioni fotografiche, 55 opere originali (dagli elmi e volumi del ‘500 alle installazioni di artisti contemporanei), 43 tavole tratte dalla collezione di fisiognomica del Museo. A queste si aggiungono 42 montaggi, 4 app e 8 installazioni.
Questi i numeri della mostra, unica nel suo genere grazie a un originale percorso trasversale che attraversa ambiti e periodi differenti, facendo del “volto delle emozioni” uno spazio di trame  complesse che collegano arte e teatro, cinema e animazione, fino ad arrivare alle nuove tecnologie.

Il percorso di visita si concentra sulle arti performative e si interseca con arte, scienza, tecnologia e comunicazione. Partendo dall’Aula del Tempio, e poi su per la Rampa Elicoidale, il visitatore viene coinvolto in quel lungo affascinante racconto che collega i cataloghi di Giovan Battista Della Porta e Johann Caspar Lavater allo studio dei volti del primo pittore del Re Sole, Charles Le Brun, ai vetri per lanterna magica e agli emoji, ai manuali per l’attore – di teatro prima e di cinema poi -, alla tecnica del morphing, ai più avanzati software di face tracking o alle opere di artisti contemporanei che esplorano il volto e le emozioni.
Faccine o emoji che comunicano l’emozione del momento, software in grado di riconoscere un volto, di ricostruirne o manipolarne i tratti somatici: sono esperienze che caratterizzano la società tecnologica contemporanea ma che hanno radici profonde nel passato. Da sempre infatti il volto è lo “specchio dell’anima” e viene esplorato come il luogo privilegiato su cui si disegnano i caratteri e le emozioni dell’uomo. Ed è quello che ha fatto la fisiognomica, una pseudoscienza che sin dall’antichità ha intrecciato i suoi percorsi con ambiti molto differenti tra loro.

Durante la visita è possibile ammirare la superficie interna della cupola della Mole Antonelliana, detta il “volto” della Mole, che, a intervalli regolari, si anima con l’installazione I Volti sul Volto della Mole che prevede la proiezione dei primi piani delle icone della storia del cinema.

Arrivati alla fine della rampa, per la prima volta è utilizzata come spazio espositivo l’Orecchia, la stanza laterale della Mole Antonelliana che rievoca l’orecchio di un volto. Qui si può ascoltare l’installazione Organum pineale, una rappresentazione sonora delle passioni.

Per tutta la durata della mostra sono previste numerose attività per le scuole e per il pubblico che comprendono visite guidate, laboratori per bambini e famiglie ed eventi speciali.

In occasione della mostra il Cinema Massimo – MNC ospiterà una serie di appuntamenti dedicati al tema del volto e delle emozioni.

Dopo l’estate la mostra si amplia con una sezione specifica dedicata  a Cesare Lombroso. Dal 25 settembre 2019 al 6 gennaio 2020 il Museo Nazionale del Cinema ospiterà al piano dedicato all’Archeologia del cinema “I 1000 volti di Lombroso”, una selezione di fotografie – esposte per la prima volta – appartenenti al fondo fotografico dell’Archivio del Museo di Antropologia criminale “Cesare Lombroso” dell’Università di Torino, che ripercorre le diverse tappe delle sue ricerche. La mostra sarà curata da Cristina Cilli, Nicoletta Leonardi, Silvano Montaldo e Nadia Pugliese.

Nell’ambito della mostra, la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo presenta nella propria sede, dal 17 luglio al 29 settembre 2019, la mostra personale di Paolo Cirio. Exposed (Torino, 1979. Vive a New York), a cura di Irene Calderoni.  La mostra personale include tre importanti cicli di lavori dedicati al tema del volto, spazio simbolico in cui si gioca la dinamica conflittuale tra privato e pubblico, individuale e generale, libertà e sorveglianza.

“Some people” al Museo Ettore Fico di Torino – Fotografie da Von Gloeden a Warhol

Da mercoledì 25 settembre 2019 a domenica 26 gennaio 2020 al Museo Ettore Fico di Torino sarà visitabile la mostra “Some people” a cura di Andrea Busto, un percorso estremamente significativo all’interno della vastissima collezione di Ernesto Esposito: stilista di fama internazionale, ha collezionato – e continua a farlo tutt’ora! – importanti opere dei più grandi artisti contemporanei spaziando dalla fotografia all’installazione, dalla pittura al video fino a opere monumentali, con una grande poliedricità e intuito anticipatore.
Noto in tutto il mondo per le sue collaborazioni nella haute couture (Marc Jacobs, Sergio Rossi, Sonia Rykiel, Louis Vuitton, Fendi, ecc.) Ernesto Esposito è anche un instancabile ricercatore che opera in stretto contatto con le gallerie più influenti del settore.

Globe trotter infaticabile, a partire dagli anni Ottanta ha conosciuto e frequentato artisti quali Cy Twombly, Joseph Beuys, Andy Warhol, Helmut Newton, solo per citarne alcuni.
Il privilegio dell’amicizia con tutti loro gli ha permesso di realizzare una delle collezioni di arte contemporanea più importanti e poliedriche, da cui sono state selezionate le opere per la mostra ME TWO che, a sua volta, si articola in due sezioni distinte: Some people e Brasil!.
Il titolo della mostra, Me Two, parafrasa per assonanza la famosa frase “me too” che ha segnato una svolta contro lo stolking femminile e venne coniata nel 2017 in forma di hashtag in occasione dello scandalo holliwoodiano che vide come protagonista il produttore Harvey Weinstein incriminato di molestie sessuali alle attrici che lavoravano per lui.
Il titolo allude inoltre a una duplicazione della personalità/possibilità collezionistica.

La prima, Some people, ci conduce in un ampio percorso che rappresenta e analizza la storia della fotografia da Von Gloeden ai giorni nostri, da un punto preciso di rottura degli schemi sociali, sessuali e di identità di genere.

Da Von Gloeden a Mapplethorpe, da Helmut Newton e Bruce Weber, fino a Cindy Sherman, Thomas Ruff, Wolfgang Tillmans e Thomas Struth.
Per Ernesto Esposito, la fotografia è innanzitutto una grande passione e parte essenziale della sua vita e quindi della collezione stessa. Frutto di acquisizioni in gallerie, ma anche di rapporti personali di amicizia con i maggiori artisti del nostro tempo, la mostra si compone di un cospicuo numero di opere – fotografie originali, stampe vintage, in formati diversi anche di grandi dimensioni – raccolte nel corso degli anni con intenti e criteri diversi.
Se l’incontro con Jack Pierson è diventato una sorta di collaborazione “sul campo”, altre opere rappresentano invece una metafora esistenziale, come una sorta di partecipazione a un club, a una congregazione, a un gruppo identitario, a una setta in cui gli adepti si riconoscono e si apprezzano identificandosi per sensibilità ed estetica comune.
La scelta documenta praticamente l’intero sviluppo della ricerca fotografica d’avanguardia, con un focus particolare sugli autori che hanno maggiormente contribuito a definire l’ambito specifico della fotografia nell’arte contemporanea.
L’obiettivo della mostra è di raccontare, attraverso lo sguardo acuto del collezionista appassionato come, da mera forma documentaria, la fotografia si sia affermata a linguaggio autonomo parallelo alla pittura, alla scultura, al disegno e come da sempre sia in dialogo, anche conflittuale, con le altre discipline artistiche.

Verso il Futuro: Il mondo nelle nostre mani al MAcA di Torino – Il Museo A come Ambiente

Il Museo A come Ambiente – MAcA propone ai suoi visitatori un viaggio alla scoperta del mondo che abbiamo e delle sfide che ci attendono nei prossimi anni con la mostra VERSO IL FUTURO, in programma da sabato 5 ottobre 2019 a sabato 29 febbraio 2020. (prorogata fino al 15 marzo)

La mostra è incentrata sulla rivoluzione verde che ci attende nei prossimi anni.

VERSO IL FUTURO nasce con lo scopo di raccontare gli obiettivi di sviluppo sostenibile che l’ONU ha fissato per il 2030, toccando con mano, grazie agli exhibit interattivi, il cambiamento climatico, illuminando le zone d’ombra che ancora ci separano da uno stile di vita sostenibile e offrendo al contempo una serie di soluzioni che incoraggiano i cittadini ad agire, scoprendo l’eco-eroe che si cela in ognuno di noi.

La mostra sarà visitabile senza sovrapprezzo rispetto al biglietto d’ingresso nel fine settimana per il pubblico, e all’interno dell’offerta didattica per le scuole e i gruppi anche in settimana, con prenotazione obbligatoria.

Cos’è il MAcA di Torino?

I mondi di Primo Levi al Palazzo Cisterna di Torino

Promossa dalla Città metropolitana e dal Centro studi Primo Levi, ritorna a Torino, in occasione del Centenario, la mostra allestita con grande successo nel 2015 a Palazzo Madama e in seguito circolata in Italia e in Europa, con tappe a Fossoli, Ferrara, Cuneo, Liegi, Milano, Roma-Quirinale, Chivasso.

A cura di Fabio Levi e Peppino Ortoleva. Allestimento a cura di Gianfranco Cavaglià con la collaborazione di Anna Rita Bertorello.
Progetto grafico e realizzazione audiovisiva: Ars Media

Orari di apertura al pubblico:
dal lunedì al giovedì 10-16
venerdi 10-14
sabato e domenica chiuso

Ingresso libero. 

GINO DE DOMINICIS in VideotecaGAM alla Gam di Torino

“wo/MAN RAY. Le seduzioni della fotografia” da Camera a Torino

Dal 17 ottobre 2019 al 19 gennaio 2020, CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia a Torino rende omaggio al grande maestro con la mostra wo/MAN RAY. Le seduzioni della fotografia che racchiuderà circa duecento fotografie, realizzate a partire dagli anni Venti fino alla morte (avvenuta nel 1976), tutte dedicate a un preciso soggetto, la donna, fonte di ispirazione primaria dell’intera sua poetica, proprio nella sua declinazione fotografica.

In mostra alcune delle immagini che hanno fatto la storia della fotografia del XX secolo e che sono entrate nell’immaginario collettivo grazie alla capacità di Man Ray di reinventare non solo il linguaggio fotografico, ma anche la rappresentazione del corpo e del volto, i generi stessi del nudo e del ritratto. Attraverso i suoi rayographs, le solarizzazioni, le doppie esposizioni, il corpo femminile è sottoposto a una continua metamorfosi di forme e significati, divenendo di volta in volta forma astratta, oggetto di seduzione, memoria classica, ritratto realista, in una straordinaria – giocosa e raffinatissima – riflessione sul tempo e sui modi della rappresentazione, fotografica e non solo.

Assistenti, muse ispiratrici, complici in diversi passi di questa avventura di vita e intellettuale sono state figure come quelle di Lee Miller, Berenice Abbott, Dora Maar, con la costante, ineludibile presenza di Juliet, la compagna di una vita a cui è dedicato lo strepitoso portfolio “The Fifty Faces of Juliet” (1943-1944) dove si assiste alla sua straordinaria trasformazione in tante figure diverse, in un gioco di affetti e seduzioni, citazioni e provocazioni.

Ma queste donne sono state, a loro volta, grandi artiste, e la mostra si concentrerà anche su questo aspetto, presentando un corpus di opere, riferite in particolare agli anni Trenta e Quaranta, vale a dire quelli della loro più diretta frequentazione con Man Ray e con l’ambiente dell’avanguardia dada e surrealista parigina.

Una mostra unica, dunque, sia per la qualità delle fotografie esposte, sia per il taglio innovativo nell’accostamento insieme biografico e artistico dei protagonisti di queste vicende. Un grande repertorio di immagini a disposizione del pubblico reso possibile grazie alla collaborazione con numerose istituzioni e gallerie nazionali e internazionali dallo CSAC di Parma all’ASAC di Venezia, dal Lee Miller Archive del Sussex al Mast di Bologna alla Fondazione Marconi di Milano. Realtà che hanno contribuito, tanto con i prestiti quanto con le proprie competenze scientifiche, a rendere il più esaustiva possibile tale ricognizione su uno dei periodi più innovativi del Novecento, con autentici capolavori dell’arte fotografica come i portfoli “Electricitè” (1931) e il rarissimo “Les mannequins. Résurrection des mannequins” (1938), testimonianza unica di uno degli eventi cruciali della storia del surrealismo e delle pratiche espositive del XX secolo, l’Exposition Internationale du Surréalisme di Parigi del 1938.

Curata da Walter Guadagnini e Giangavino Pazzola, la mostra sarà accompagnata da un catalogo contenente la riproduzione delle opere esposte, i saggi dei curatori e di altri studiosi, nonché essenziali note bio-bibliografiche.

HOKUSAI, HIROSHIGE, HASUI. VIAGGIO NEL GIAPPONE CHE CAMBIA alla Pinacoteca Agnelli di Torino

dal 19 ottobre 2019 al 16 febbraio 2020
a cura di Rossella Menegazzo e Sarah E. Thompson

Prenotazione biglietti obbligatoria!

La Pinacoteca Agnelli di Torino presenta, da sabato 19 ottobre 2019 sino a domenica 16 febbraio 2020, la grande esposizione “Hokusai, Hiroshige, Hasui. Viaggio nel Giappone che cambia”.

In mostra le opere di due grandi Maestri del “Mondo Fluttuante” dell’Ottocento, Katsushika Hokusai (1760 – 1849) e Utagawa Hiroshige (1797 – 1858), insieme alle stampe moderne di Kawase Hasui (1883- 1957), pittore esponente del movimento shin hanga (“nuove stampe”), che portò avanti i temi e le tecniche delle silografie policrome anche nelle epoche Meiji (1868-1912), Taishō (1912-1926) e parte della Shōwa, fino a metà degli anni Cinquanta del Novecento quando venne nominato “Tesoro nazionale vivente” nel 1956.

L’esposizione è curata da Rossella Menegazzo, docente di storia dell’Arte dell’Asia Orientale dell’Università di Milano, e Sarah E. Thompson curatrice del Boston Museum of Fine Arts, ed è organizzata dalla Pinacoteca Agnelli in collaborazione con il Museo di Boston insieme a MondoMostre. Main partner del progetto è FIAT.

Il percorso espositivo propone, attraverso una selezione di 100 straordinarie silografie dei tre maestri, Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige e Kawase Hasui, un viaggio nei luoghi più suggestivi del Giappone, reali e immaginari, raccontando il mondo artistico di un paese che tra fine Ottocento e inizio Novecento subisce un’enorme trasformazione sotto l’influenza dell’Occidente alla scoperta di come il mondo fluttuante, reso noto dai primi due maestri, scivoli dentro una società che aspira ai canoni artistici europei, e non solo, di cui Hasui è testimone.

I visitatori potranno vivere una esperienza completa, prima sperimentando su di sé la meraviglia e l’emozione che all’epoca dovettero provare artisti come Monet, Van Gogh, Degas, Toulouse-Lautrec di fronte alla freschezza, alla semplicità e al forte impatto delle opere di Hokusai e Hiroshige, i due straordinari paesaggisti che contribuirono a rivoluzionare il linguaggio pittorico della Parigi di fine Ottocento; e poi, vedendo l’evoluzione di quelle immagini del Mondo Fluttuante traslate in epoca moderna, attraverso l’abilità, la nostalgia e la tecnica innovativa di Hasui, per la prima volta in un confronto diretto con le opere più importanti dei pittori classici della tradizione giapponese.
La mostra sarà corredata da un catalogo.

Emilio Prini alla Fondazione Merz di Torino

Per la prima volta un nucleo di oltre quaranta opere di Emilio Prini, dal 1966 al 2016, viene portato in mostra per attivare una riflessione critica e storica intorno all’esperienza di uno dei più interessanti rappresentanti dell’Arte povera.
Il percorso espositivo e l’allestimento sono stati concepiti dalle curatrici nel rispetto della filosofia dell’artista anche grazie alla profonda conoscenza e vicinanza con l’uomo Prini, amico e padre.

Un omaggio doveroso da parte della Fondazione Merz a un artista discusso, sfuggente, certamente geniale, ironico, autentico e provocatore. La mostra è anche un’occasione per ripercorrere un legame di amicizia e di profonda stima tra Emilio Prini e Mario Merz.

28 ottobre 2019 – 9 febbraio 2020

in collaborazione con Archivio Emilio Prini

 Fondazione Merz, in collaborazione con Archivio Emilio Prini, presenta un’esposizione personale concepita come omaggio all’artista Emilio Prini (Stresa, 1943 – Roma, 2016).
La mostra è a cura di Beatrice Merz e Timotea Prini

Enzio Isaia. Le Alpi del Monferrato a Torino

LE ALPI DEL MONFERRATO
FOTOGRAFIE DI ENZO ISAIA
A cura di Daniela Berta
Museo Nazionale della Montagna CAI – Torino
30.10.19 > 23.02.20
Opening 29.10.19 ore 18

Nel corso dell’ultimo decennio, Enzo Isaia – tra i grandi nomi della fotografia piemontese – ha realizzato una serie di circa 100 immagini del Monferrato – con particolare attenzione per le colline dell’astigiano, sua terra d’adozione – ponendone in evidenza la relazione con l’arco alpino. In mostra, una selezione di circa 30 scatti che valorizzano tale straordinario paesaggio naturale e culturale attraverso le luci delle diverse stagioni e con una tecnica paziente e sofisticata.
Il progetto regala un inedito punto di vista che mette in naturale relazione due eccellenze del nostro panorama regionale.

Le Luci d’Artista a Torino: la mappa delle luci e tutte le curiosità di questa edizione

Quest’anno le Luci d’Artista tornano ad illuminare la città di Torino dal 29 ottobre 2019 fino al 12 gennaio 2020. Opere uniche, installazioni originali, arte nelle strade ed atmosfera natalizia, cosa c’è di meglio?

La rassegna ormai è diventata una tradizione per il periodo di Natale, per poter ammirare e cogliere le diverse visioni poetiche espresse dalle opere disseminate in città con elemento comune la luce.

Ma, pur vedendole ogni anno, quanti saprebbero riconoscerle col loro nome? E gli artisti? Quali sono i vostri preferiti?

Luci d’artista 2019/2020: Miracola è la novità targata Roberto Cuoghi

Quest’anno le installazioni sono ben 25 in città, 15 in centro e 10 nelle circoscrizioni. Una delle novità è sicuramente la nuova installazione luminosa MIRACOLA, ideata dall’artista Roberto Cuoghi che sarà allestita in Piazza San Carlo.

Miracola celebra il 500 anniversario della morte di Leonardo da Vinci ed è una luce d’artista partecipativa e legata strettamente alla comunità, infatti le luci pubbliche e private di tutta piazza San Carlo ogni ora per circa 10, 15 secondi inizieranno una sinfonia decrescente luminosa fino a spegnersi del tutto, lasciando la piazza in completo blackout e poi illuminandosi nuovamente. I passanti saranno così immersi in istanti di piena oscurità, così come tutta la piazza. Interessante la filosofia dietro all’opera, che cerca di ispirarsi a cosa avrebbe fatto Leonardo se gli fosse stato proposto di creare una luce d’artista: di certo non ne avrebbe aggiunto altre, ma avrebbe probabilmente tentato di giocare con le luci già esistenti.

Cosa peculiare e sicuramente interessante è che quest’anno ben 16 costellazioni del Planetario sono state prestate alla città de l’Avana (Cuba) ed installate in Calle del Casco Historico Galiano in occasione delle celebrazioni dei 500 anni della fondazione della Capitale di Cuba, dunque le nostre belle luci d’artista potranno essere viste anche a Cuba quest’anno!

Puoi leggere quindi l’elenco delle luci d’artista di quest’anno o visitare semplicemente la mappa cliccando qui:

In centro:

1. “Cosmometrie” di Mario Airò, Piazza Carignagno
2. “Tappeto Volante” di Daniel Buren, Piazza Palazzo di Città
3. “MIRACOLA” di Roberto Cuoghi, piazza San Carlo
4. “Il Regno dei Fiori: nido cosmico di tutte le anime” di Nicola De Maria, Piazza Carlina
5. “Il giardino barocco Verticale” di Richi Ferrero, Via Alfieri 6, Palazzo Valperga Galleani, Opera privata permanente
6. “L’energia che unisce si espande nel blu” di Marco Gastini, Galleria Umberto I, opera permanente
7. “Planetario” di Carmelo Giammello, via Roma
8. “Migrazione, climate change” di Piero Gilardi, Galleria San Federico
9. “Cultura=Capitale” di Alfredo Jaar, Piazza Carlo Alberto, opera permanente
10. “Doppio passaggio” di Joseph Kosuth, ponte Vittorio Emanuele I, opera permanente
11. “Lui e l’arte di andare nel bosco” di Luigi Mainolfi, via Lagrange
12. “Il volo dei numeri” di Mario Mertz, Mole Antonelliana, opera permanente
13. “Vento solare” di Luigi Nervo, Piazzetta Mollino
14. “Palomar” di Giulio Paolini, via Po
15. “Noi” di Luigi Stoisa, via Garibaldi

Circoscrizioni: dalla 2 alla 8

1. “Ice Cream Light” di Vanessa Safavi, Piazza Livio Bianco (circoscrizione 2)
2. “Volo su…” di Francesco Casorati, area pedonale di Via di Nanni (circoscrizione 3)
3. “Illuminate Benches” di Jeppe Hein, Piazza Risorgimento (circoscrizione 4)
4. “L’amore non fa rumore” di Domenico Luca Pannoli, piazza Eugenio Montale (circoscrizione 5)
5. “Vele di Natale” di Vasco Are, Piazza Foroni, zona mercato rionale (circoscrizione 6)
6. “Ancora una volta” di Valerio Berruti, via Giulia di Barolo tra piazza Santa Giulia e Corso Regina Margherita (circoscrizione 7)
7. “Amare le differenze” di Michelangelo Pistoletto, Piazza della Repubblica, opera permanente (circoscrizione 7)
8. “Piccoli spiriti blu” di Rebecca Horn, Monte dei Cappuccini, opera permanente (circoscrizione 8)
9. “My noon” di Tobias Rehberger, via Giulio Gianelli/Piobesi/Giardino Pietro Rava, cortile Scuola Carlo Collodi (circoscrizione 8)
10. “Luce Fontana Ruota” di Gilberto Zorio, laghetto Italia 61, opera permanente (circoscrizione 8)

La cerimonia di inaugurazione si terrà martedì 29 ottobre alle 19.30 e con l’occasione verrà presentata l’opera inedita “Miracola” in piazza San Carlo.

La luce vista come occasione per rigenerare e rivalutare gli spazi pubblici promuovendo la partecipazione attiva dei cittadini e di tutta la città è quindi il focus delle luci d’artista di quest’anno.

Altre luci

• “Aurora”, di Alessandro Sciaraffa, al Torino Outlet Village: la stele del Torino Outlet Village diventa un’opera luminosa che attrae e genera aurore boreali
• “L’albero del PAV” di Piero Gilardi: un albero opera luminosa arabescato di luce colorata
• “Luce in cattedra/Polito in light”, Castello del Valentino, Corte d’Onore, viale Pier Andrea Mattioli 39: un esempio originale da parte di un team studentesco su come coniugare tecnologia e arte focalizzandosi sull’uso della luce nel contesto urbano
• “Multiverso” di Carlo Bernardini, piazzetta Accademia Militare 3: opera luminosa site specific che disegna trame grafiche grazie alle fibre ottiche a cura di Paratissima
• “L’albero orizzontale di Piazza Montale”
• “Il presepio” di Emanuele Luzzati, parco del Valentino, Borgo Medievale

E se ancora non ne hai abbastanza….

LO SAPEVI CHE….?

Lo sapevi che da questo dicembre puoi trovare l’Agenda 2020 Turinoise online e nei negozi?

Non una semplice agenda, ma un viaggio alla scoperta dei locali e dei negozi #TurinoiseApproved! 

Di cosa si tratta?

Brasil! – Focus sull’arte brasiliana contemporanea al Museo Ettore Fico di Torino

Da mercoledì 30 ottobre 2019 a domenica 16 febbraio 2020 al Museo Ettore Fico di Torino sarà visitabile la mostra “Brasil!”, un percorso estremamente significativo all’interno della vastissima collezione di Ernesto Esposito: stilista di fama internazionale, ha collezionato – e continua a farlo tutt’ora! – importanti opere dei più grandi artisti contemporanei spaziando dalla fotografia all’installazione, dalla pittura al video fino a opere monumentali, con una grande poliedricità e intuito anticipatore.
Noto in tutto il mondo per le sue collaborazioni nella haute couture (Marc Jacobs, Sergio Rossi, Sonia Rykiel, Louis Vuitton, Fendi, ecc.) Ernesto Esposito è anche un instancabile ricercatore che opera in stretto contatto con le gallerie più influenti del settore.

Globe trotter infaticabile, a partire dagli anni Ottanta ha conosciuto e frequentato artisti quali Cy Twombly, Joseph Beuys, Andy Warhol, Helmut Newton, solo per citarne alcuni.
Il privilegio dell’amicizia con tutti loro gli ha permesso di realizzare una delle collezioni di arte contemporanea più importanti e poliedriche, da cui sono state selezionate le opere per la mostra ME TWO che, a sua volta, si articola in due sezioni distinte: Some people e Brasil!.
Il titolo della mostra, Me Two, parafrasa per assonanza la famosa frase “me too” che ha segnato una svolta contro lo stolking femminile e venne coniata nel 2017 in forma di hashtag in occasione dello scandalo holliwoodiano che vide come protagonista il produttore Harvey Weinstein incriminato di molestie sessuali alle attrici che lavoravano per lui.
Il titolo allude inoltre a una duplicazione della personalità/possibilità collezionistica.

La seconda, Brasil!, è un’avvincente ricognizione all’interno dell’arte contemporanee brasiliana degli ultimi vent’anni e ne documenta il vasto panorama artistico, ricco ed effervescente.

La mostra, il cui titolo Brasil! è un riferimento all’omonimo film di Terry Gilliam del 1985, si propone come un focus sulle ultime generazioni di artisti brasiliani che hanno segnato una svolta e delineato, nel panorama internazionale, nuove vie e nuovi percorsi, ponendosi come una vera e propria scuola e corrente.
Il Brasile, terra immensa, vasta e variegata, ha identità estremamente differenti, così come la sua arte. Il territorio, con le sue differenze che siano urbane, periferiche o derivanti dalla lussureggiante foresta pluviale, ha dato vita a riflessioni che, per la loro complessità, interessano il Mondo intero. La peculiarità degli artisti è quella di vivere in un territorio ricco di storia e tradizioni, di contraddizioni e poesia, dove gli influssi dell’arte internazionale si fondono e si trasformano in una poetica intrisa di estetica sud americana.

I profumi della terra e dei fiori, la “saudade” della bossa nova e il brio eccitante della samba, l’improbabile architettura delle favelas e la razionalità della capitale Brasilia disegnata da Oscar Niemayer, si mescolano e si confondono attraverso la specificità dei materiali utilizzati dagli artisti che sono desunti direttamente dalla natura e dalla produzione industriale: le spezie per Ernesto Neto, la terra e il legno per Matheus Rocha Pita, i semplici oggetti di uso domestico e comune (amache o stoviglie o
pentole) per Opavivarà!.
L’estrema fortuna critica e il grande interesse per l’arte brasiliana, esplosi negli ultimi anni, sono sicuramente imputabili a un momento economico positivo, durato vent’anni, che è sfociato nei Giochi Olimpici a Rio del 2016 e che hanno permesso alla città e alla sua economia di rifiorire grazie ai colossali investimenti economici per edifici legati ai Giochi e al proliferare di cantieri dedicati all’urbanismo di civile abitazione. È anche vero che le contraddizioni del Paese sono enormi e la stessa classe politica è stata – e lo è tuttora – sotto accusa per brogli e corruzione. Le Olimpiadi hanno anche segnato la fine di un sogno e ora il Brasile soffre di una crisi economica fortissima.

Gli artisti, cartina al tornasole dei cambiamenti e delle criticità epocali, registrano e creano lavori intensamente evocative dello stato sociale del Paese a cui appartengono. La loro sensibilità converge nella produzione di opere non solo estetiche ma, soprattutto, dense di problematiche politiche ed economiche.
Molti degli artisti provenienti dalla collezione Esposito sono conosciutì, apprezzati e collezionati da importanti musei e fondazioni internazionali e sono rappresentati dalle maggiori gallerie che hanno influenza sui mercati e sul gusto del nostro secolo.
La raccolta di opere esposta a Torino è quasi interamente legata alla produzione degli ultimi vent’anni e rappresenta uno spaccato culturale estremamente pertinente e incisivo dell’arte brasiliana

Tree Time al Museo della Montagna di Torino

La mostra di Monica Bonvicini alle OGR di Torino

Dal 31 ottobre 2019 al 2 febbraio 2020 presso le OGR di Torino, le Officine Grandi Riparazioni, ci sarà la mostra di Monica Bonvicini.

La poliedrica pratica di Monica Bonvicini indaga la relazione tra architettura, potere, genere, spazio, sorveglianza e controllo e si traduce in opere che mettono in discussione il significato di fare arte, l’ambiguità del linguaggio, i limiti e le possibilità legati agli ideali di libertà. Asciutta, diretta e intrisa di riferimenti storici, politici e sociali, l’arte di Bonvicini non si astiene mai dall’instaurare un legame critico con i luoghi in cui è esposta, i materiali che la compongono e problematizzare il ruolo dello spettatore. Questo approccio è mantenuto nella realizzazione del un nuovo progetto specificamente concepito per gli spazi di OGR e realizzato in occasione di Artissima 2019.

Mauro Restiffe – History as landscape alle OGR di Torino

Dal 31 ottobre 2019 al 5 gennaio 2020 alle OGR di Torino una mostra del fotografo Mauro Restiffe.

L’architettura, in particolare quella relativa al periodo modernista, è da sempre fonte di ispirazione per il fotografo brasiliano Mauro Restiffe.

Nel corso della sua carriera, l’artista ha viaggiato e fotografato le opere di noti architetti in tutto il mondo: da Philip Johnson a Oscar Niemeyer. Nelle sue foto Restiffe rivela combinazioni inaspettate tra architettura e paesaggio, tra interni ed esterni, focalizzandosi su dettagli inosservati e tracce di presenza umana: l’architettura funge da palcoscenico per la storia, sia essa pubblica o privata. Le immagini di Restiffe, intrise di valore storico, raccontano intime prospettive sulla storia di un Paese, come nel caso delle famose serie Empossamento (2003) e Oscar (2012).

Per la sua personale alle OGR di Torino, Restiffe fotografa l’Italia con lo stesso approccio, raccontando alcuni tra i progetti di Carlo Mollino, Piero Portaluppi, Franco Albini e Carlo Scarpa.

Corsi di fotografia Zum a Torino

Zum Fotografia organizza ogni anno dei corsi bellissimi di fotografia, per chi lo fa di lavoro ma anche per chi lo fa per passione (o entrambi!).

Fotografi professionisti insegneranno la tecnica, storia, l’arte ed i trucchi appresi negli anni di professione in un ambiente informale e piacevole per i partecipanti senza troppe formalità perchè ogni corso sia allo stesso tempo utile e accogliente.

Vai al sito per saperne di più!

Indeciso e timido? Non avere paura, ci sono tantissimi corsi, in base al tuo livello, a partire da quello per principianti fino ad arrivare a quelli più avanzati!

Zum offre anche la possibilità di iscriversi a corsi per i bambini o addirittura (simpaticissimo) un corso per papà “in attesa”!

Berlinde De Bruyckere alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino presenta una grande mostra monografica dedicata a Berlinde De Bruyckere (Gand, 1964), a cura di Irene Calderoni aperta dal  1 novembre 2019 al 15 marzo 2020.

Il suo lavoro scultoreo indaga temi universali quali il corpo sofferente, il dolore, la memoria, la necessità di superamento e trasformazione. Fortemente influenzata dalla storia dell’arte e dalla mitologia, così come dalla realtà quotidiana di strutture sociali in collasso, De Bruyckere crea opere dal forte impatto emotivo, che attraverso la propria materialità invitano a riflettere sulla condizione umana

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo presenta ALETHEIA, una grande mostra monografica dedicata a Berlinde De Bruyckere (Gand, 1964), a cura di Irene Calderoni. Il suo lavoro scultoreo indaga temi universali quali il corpo sofferente, il dolore, la memoria, la necessità di superamento e trasformazione. Fortemente influenzata dalla storia dell’arte e dalla mitologia, così come dalla realtà quotidiana di strutture sociali in collasso, De Bruyckere crea opere dal forte impatto emotivo, che attraverso la propria materialità invitano a riflettere sulla condizione umana.

Samakaalik al PAV di Torino

Sabato 2 Novembre 2019, nella cornice di Artissima, il PAV Parco Arte Vivente inaugura Samakaalik: Democrazia della Terra e Femminismo, la prima personale italiana dell’artista indiana Navjot Altaf (Meerut, 1949).

La mostra, a cura di Marco Scotini, rappresenta un nuovo capitolo nell’indagine del rapporto tra pratiche artistiche e pensiero ecologista nel continente asiatico, un percorso espositivo aperto con la mostra personale dell’artista cinese Zheng Bo. Dopo Ravi Agarwal, con Navjot Altaf procede il focus sul subcontinente indiano, un contesto particolarmente significativo rispetto allo sfruttamento delle persone e delle risorse ambientali. Con Altaf, il PAV sceglie di rappresentare l’intersecarsi simultaneo (samakaalik in hindi) delle lotte per la tutela ambientale al movimento femminista, una forma intersezionale di ecofemminismo che Bina Agarwal definisce “feminist environmentalism”. I lavori di Altaf, impegnata politicamente sin dagli anni ’70, periodo in cui milita nel collettivo marxista PROYOM, raccontano lo sfruttamento minerario e dell’agricoltura intensiva, l’industria pesante, la consunzione delle foreste, riflettendo sulla sovranità culturale delle popolazioni indigene in lotta contro il potere statale e delle multinazionali

PELAGIO PALAGI A TORINO ai Musei Reali di Torino

L’esposizione dedicata a Pelagio Palagi, eclettico disegnatore designato Pittore preposto alla decorazione dei Reali Palazzi da Carlo Alberto di Savoia, approfondisce l’attività svolta dall’architetto bolognese a Torino dal 1832. La mostra sarà visitabile dal 9 novembre 2019 al 9 febbraio 2020.  Il Palazzo Reale di Torino è per eccellenza il luogo in cuil’arte di Palagi ha raggiunto la massima espressione: l’architetto riallestì la residenzaper i Savoia, conferendo alla struttura un nuovo e monumentale aspetto, allineato alle nuove esigenze legate alle grandi ambizioni del sovrano e al cerimoniale di corte. Un lavoro che oggi potremmo definire di restyling, eseguito anche grazie anche alla collaborazione di un’équipe di altri artisti: pittori come Francesco Gonin e Carlo Bellosio, scultori e stuccatori del calibro di Giuseppe Gaggini, Francesco Somaini e Diego Marielloni), importanti ebanisti come Gabriele Capello detto il Moncalvo e bronzisti, rappresentati dalle ditte Colla e Odetti, Manfredini e Viscardi.

Fulcro dell’esposizione sono i trentuno fogli  della Biblioteca dell’Archiginnasio di Bologna che dialogano, dove possibile, con opere e arredi a cui si riferiscono.

Il percorso espositivo inizia al secondo piano della Galleria Sabauda,  nello Spazio Scoperte: accanto ai disegni progettuali relativi al Salone delle Guardie Svizzere e ai principali ambienti di rappresentanza, sono allestite alcune opere realizzate per Palazzo Reale, luogo che ancor ale conseva. Nello specifico, il dipinto raffigurante San Michele Arcangelo, modello per una vetrata realizzata nel Castello di Pollenzo, il taboretto scolpito in legno dorato e il ricco candelabro figurato in bronzo dorato provenienti dalla Sala delle Udienze Private, a testimoniare l’attività dell’équipe palagiana. I diversi progetti, accostati uno all’altro, permettono di cogliere le caratteristiche stilistiche di Palagi, fra recuperi classici e rispetto delle preesistenze barocche. Ampio rilievo è dato alla progettazione della neoclassica Sala da Ballo, autentico capolavoro dell’artista, al disegno di un nuovo Scalone d’Onore mai realizzato, agli ambienti e agli arredi dell’Armeria Reale. La mostra prosegue nello spazio adiacente lo Spazio Scoperte, con gli importanti progetti per le sale allestite al Secondo Piano di Palazzo Reale per le nozze di Vittorio Emanuele II avvenute nel 1842. I disegni per la cancellata, realizzata in bronzo nella Piazzetta Reale, e i progetti per i Giardini concludono questa sezione della mostra.

Infine, lungo il percorso di visita del Piano Nobile di Palazzo Reale è possibile seguire un vero itinerario palagiano, con rimandi ai disegni in mostra e visite guidate a cura dell’Associazione Amici di Palazzo Reale dedicate ad ambienti del Secondo Piano, normalmente chiusi al pubblico, dove le suggestive sale del Salotto Blu e del Salotto Rosso furono completamente riallestite dal Palagi. L’esposizione è curata da Giorgio Careddu, Franco Gualano e Lorenza Santa dei Musei Reali, con la collaborazione della prof.ssa Marinella Pigozzi dell’Università degli Studi di Bologna. Alla realizzazione dell’esposizionee del relativo catalogo hanno infatti partecipato l’Università di Bologna con la Scuola di Specializzazione in beni storico artistici che, nell’ambito di un progetto formativo confluito in un tirocinio, ha realizzato un censimento completo del fondo palagiano relativo agli odierni Musei Reali. Il frutto di questa ricerca sarà pubblicato in forma di regesto insieme alle schede scientifiche dei disegni esposti, redatte per l’occasione dagli studenti specializzati.

L’ingresso alla mostra, allestita nello Spazio Scoperte della Galleria Sabauda, è compreso nell’abituale costo del biglietto dei Musei Reali.

La mostra è aperta dal martedì alla domenica in orario 9-19 (biglietteria 8.30-18). Chiusa il lunedì.

Space Adventure – Si va nello spazio a Torino!

Dal 22 Novembre 2019 al 22 Marzo 2020 sbarca a Torino “Space Adventure”, la mostra che sta emozionando il mondo, presso la Promotrice delle Belle Arti.

Un viaggio unico ed emozionante che racconta le incredibili conquiste dell’uomo nelle esplorazioni spaziali per terminare nello Space Camp: 400 mq di pura interattività dove, grazie ai simulatori, i visitatori potranno sperimentare le stesse sensazioni che provano astronauti e cosmonauti durante l’addestramento, dall’assenza di gravità alla perdita dell’orientamento spaziale, oppure cimentarsi nell’atterraggio dello Space Shuttle al ritorno di una missione

Con il Patrocinio della Città di Torino

Laboratori a cura di:
“CubeSat Team”, “Icarus Fly Team”, “Team Diana” del Politecnico di Torino e “Bricks for Kidz”

Ufficio Stampa Space Adventure: ufficiostampa@maybepress.it Tel. 011 5534519
Info@space-adventure.it – www.space-adventure.it

PORCELLANE DA RE a Palazzo Madama a Torino

Mercatini di Natale di Torino – Piazza Solferino

Natale è magia, calore, dolcezza, profumo di spezie, gioia e tradizione! E una delle cose più belle è sicuramente quella di visitare i mercatini di Natale di Torino in Piazza Solferino, che quest’anno ci terranno compagnia dal 29 novembre 2019 fino al 6 gennaio 2020!

In piazza Solferino ci saranno decine di bancarelle: artigiani, stilisti, designer, maestri cioccolatieri, produttori alimentari vi accoglieranno nel Cortile con bancarelle decorate con gusto, apposta per l’occasione!

Quando regali a qualcuno un oggetto fatto a mano, stai dicendo a quella persona che si merita qualcosa di unico e di speciale.

Ricordate che quest’anno in Piazza Solferino ci sarà anche la pista di pattinaggio per tutti gli appassionati!

Ingresso gratuito!

Mercatini di Natale di Torino – Piazza Castello

Natale è magia, calore, dolcezza, profumo di spezie, gioia e tradizione! E una delle cose più belle è sicuramente quella di visitare i mercatini di Natale di Torino in Piazza Castello, che quest’anno ci terranno compagnia dal 29 novembre 2019 fino al 6 gennaio 2020!

In piazza Castello ci saranno decine di bancarelle: artigiani, stilisti, designer, maestri cioccolatieri, produttori alimentari vi accoglieranno nel Cortile con bancarelle decorate con gusto, apposta per l’occasione!

Quando regali a qualcuno un oggetto fatto a mano, stai dicendo a quella persona che si merita qualcosa di unico e di speciale.

Ingresso gratuito!

KONRAD MÄGI. LA LUCE DEL NORD ai Musei Reali di Torino

“Sono un figlio del Nord, e tutto ciò che sono è una parte del suo popolo e della sua natura selvaggia. Ovunque mi trovi, il Nord sarà sempre la mia patria (nel senso più ampio). Amo la natura aspra e  malinconica del Nord, e quei vividi lampi di luce che gli artisti nordici sanno esprimere” (Konrad Mägi, dicembre 1907)

Arriva ai Musei Reali di Torino nelle Sale Chiablese dal 30 novembre 2019 all’8 marzo 2020 la mostra Konrad Mägi. La luce del Nord, dedicata all’artista estone dalla straordinaria forza espressiva, fatta soprattutto di colore e di luce. Mägi è considerato il capostipite della pittura estone moderna ed è spesso assimilato ad artisti come Vincent Van Gogh e Alfred Sisley, con cui ha in comune l’uso audace della materia pittorica e degli effetti luminosi. La mostra, curata dallo storico dell’arte Eero Epner in collaborazione con la direzione dei Musei Reali, cade in prossimità dei 100 anni dalla visita di Konrad Mägi in Italia e, con oltre cinquanta opere (paesaggi, ritratti e disegni), è una delle personali più grandi mai realizzate in Europa. Le opere provengono dal Museo Nazionale d’Arte dell’Estonia e dal Museo d’Arte di Tartu, oltre che dalle collezioni private di Enn Kunila e Peeter Värnik e da quelle della Società degli studenti estoni.

L’opera di Konrad Mägi è il lavoro di una personalità irrequieta e intensa, che attraverso la sua pittura di paesaggio, tesa e talvolta onirica, costruita con una materia densa ed espressiva, racconta al continente europeo il fascino della natura del Nord, dei suoi grandi cieli solcati da nuvole instabili e accese dai bagliori del tramonto, i laghi, le campagne distese e le scogliere a picco sul mare.

Impossibile da collocare in un preciso movimento, Mägi sfiora tutte le correnti senza mai farne propria nessuna. Ama la natura e la dipinge come se stesse facendo un ritratto; al contrario, i suoi pochi ritratti di persone sono realizzati come se stesse dipingendo la natura, che percepisce come uno spazio metafisico e sacro. Anarchico, eccentrico, sognatore e utopista, Mägi è un artista unico nel panorama europeo del primo ventennio del Novecento, per il suo approccio alla pittura e, più in generale, alla vita. Come scrisse egli stesso nel 1906: “Prima o poi bisogna andare a vedere il mondo, anche a costo della vita, perché non fa differenza come uno muore e dove muore”.

La mostra Konrad Mägi. La luce del Nord per la direttrice dei Musei Reali Enrica Pagella è al contempo una scoperta e una sfida: “Sono certa che le opere di Konrad Mägi saranno per il pubblico dei Musei Reali una scoperta e una sfida. La scoperta di un artista ancora poco noto e, insieme, del suo mondo, fatto di esperienze e di contatti che, partendo dall’Estonia, uniscono San Pietroburgo a Parigi e a Roma. Una sfida, perché la poetica di Mägi, pur così diretta, incrocia segni di culture artistiche – Art Nouveau, fauves, impressionismo, espressionismo – che devono essere interpretati alla luce di un’ispirazione peculiare e personale, come suggestioni che provengono da terre lontane dentro un solco di sapore quasi etnografico. Una pittura che scrive, con i suoi mezzi di forma, di colore e di luce, un pezzo di storia europea”.

Per la direttrice del Museo Nazionale d’Arte dell’Estonia Sirje Helme la mostra rappresenta un riconoscimento e un risarcimento nel contesto dell’arte europea: “Il grande e ben documentato interesse di una prestigiosa istituzione del mondo dell’arte nei confronti della storia dell’arte estone del primo Novecento serve da ulteriore conferma che i concetti di ‘periferia’ e ‘centro’ stanno progressivamente perdendo il proprio significato nella storia della cultura europea. Il programma di altissimo livello dei Musei Reali e la loro grande professionalità organizzativa posizionano l’opera di Mägi in contesti da cui essa è stata esclusa per cent’anni. In questo modo si arricchisce la storia dell’arte sia estone che europea”.

Un film-documentario su Konrad Mägi, appositamente realizzato per la mostra dalla regista estone Marianne Kõrver, sarà proiettato nell’ultima sala espositiva. Il documentario si concentra sulla personalità contradditoria e in parte inesplicabile di Mägi, che si riflette in forme diverse anche nelle sue opere. La storia appassionata e autodistruttiva delle ricerche metafisiche dell’artista, unita a un certo mistero che circonda sia la sua vita che la sua arte offrono allo spettatore la possibilità di fare esperienza della sua opera in modo molto personale e partecipato. Vari scrittori, storici dell’arte e studiosi estoni (Tiina Abel, Tõnu Õnnepalu, Eha Komissarov, Veiko Õunpuu, Hasso Krull, Lauri Sommer, Marek Tamm, Jaan Elken ja Kristi Kongi) descrivono la personale relazione di Konrad Mägi con l’arte e spiegano il contesto in cui essa si è sviluppata.

L’allestimento della mostra è curato da Tõnis Saadoja e il design grafico da Kätlin Tischler. L’organizzazione della mostra è coordinata dal Museo Nazionale d’Arte dell’Estonia e supportata dalla Fondazione Konrad Mägi. Hanno contribuito: Museo d’arte di Tartu, Enn Kunila, Peeter Värnik, Società estone degli studenti, Centro di ricerca letteraria ‘Under e Tuglas’.

Al termine dell’esposizione torinese, la mostra continuerà il suo viaggio facendo tappa nell’autunno 2021 al museo EMMA di Espoo, in Finlandia.

LA VITA DI KONRAD MÄGI

Mägi nasce in un ambiente rurale dell’Estonia meridionale nel 1878 e nel 1889 si sposta con la famiglia a Tartu, dove comincia a lavorare come apprendista falegname. Poco più che ventenne inizia la sua formazione artistica nella scuola di arti industriali di San Pietroburgo ma, già inquieto, abbandona la città nel 1906 per trasferirsi in Finlandia, nelle isole Åland, dove realizza i suoi primi dipinti. Nel 1907 approda a Parigi, dove vive per un anno, lottando con i disagi causati dalla povertà e dalle difficoltà di inserimento nell’ambiente artistico della metropoli. Nel 1908 è in Norvegia, dove dipinge intensamente, creando la base per le prime esposizioni di Tartu e di Tallin (1910), che gli daranno grande notorietà consentendogli un altro viaggio a Parigi. Ma già nel 1912 fa definitivamente ritorno in Estonia, dove lavora come insegnante d’Arte. L’ultima sua fase creativa coincide, nel 1921, con il viaggio in Italia, dove realizza luminose vedute di Roma, di Capri e di Venezia. Tornato in patria e gravemente malato, si spegne nel 1925, all’età di quarantasette anni.

FIORI D’ARTIFICIO alla Burning Giraffe Art Gallery di Torino

In occasione dell’ultima mostra nello spazio espositivo di Via Eusebio Bava 8/a, a Torino, a partire da sabato 7 dicembre e fino al 15 febbraio, Burning Giraffe Art Gallery ospita la collettiva Fiori d’artificio, composta da circa venti opere pittoriche degli artisti Anna Capolupo; Elisa Muliere e Arias Glez, distinti l’uno dall’altro per tecnica pittorica e materiali utilizzati, ma accomunati da un approccio lussureggiante che deforma e reinterpreta la realtà ritratta attraverso il ricorso a un’astrazione fortemente gestuale dagli esiti floreali.

Anna Capolupo (Firenze, 1983), in cui la minuziosa figurazione architettonica viene stravolta e frammentata dalla sovrapposizione di tecniche e materiali e dagli interventi di collage e décolagge. Sempre la stessa artista – che collabora con la galleria torinese sin dalla sua prima mostra nel giugno 2014 – presenta un’inedita serie di Vasi di fiori, in cui, alle architetture urbane si sostituisce una delicata e minimale astrazione che tramuta i fiori in segni e macchie di colore, mantenendo inalterata la forza e l’immediatezza che contraddistinguono l’estetica della sua pittura.

Dal martedì al venerdì
15:30 – 19:30
(Mattina e sabato su appuntamento)

IL TEMPO DI LEONARDO 1452-1519 ai Musei Reali di Torino

Le celebrazioni del cinquecentesimo anniversario dalla morte di Leonardo da Vinci proseguono ai Musei Reali di Torino dal 10 dicembre 2019 all’8 marzo 2020 con un nuovo percorso tematico di approfondimento in Biblioteca Reale: la mostra Il tempo di Leonardo 1452-1519. Attraverso i preziosi materiali custoditi in Biblioteca, l’esposizione ripercorre oltre sessant’anni di storia italiana ed europea, un periodo di grande fermento culturale in cui si incrociarono accadimenti, destini e storie di grandi protagonisti del Rinascimento, da Michelangelo a Cristoforo Colombo, dal Savonarola a Cesare Borgia, dalla caduta dell’Impero Romano d’Oriente all’avvento del Protestantesimo e all’invenzione della stampa, eventi che mutarono per sempre il corso della storia.

Il percorso si snoda nelle due sale al piano interrato della Biblioteca Reale: il primo caveau, la Sala Leonardo, accoglie una selezione di opere di artisti italiani contemporanei a Leonardo da Vinci, accanto al Codice sul volo degli uccelli. Nove disegni autografi del maestro vinciano accompagnano il celebre Autoritratto: è l’occasione per ammirare uno dei più noti capolavori della storia dell’arte dopo la recente esposizione Leonardo da Vinci. Disegnare il futuro, progettata dai Musei Reali dal 15 aprile al 21 luglio scorso.

La seconda sala presenta manoscritti miniati, incunaboli, cinquecentine, preziose carte geografiche antiche, disegni e incisioni, affiancati da un ricco corredo didascalico, per illustrare i personaggi e i principali eventi storici occorsi durante la vita di Leonardo.

La biglietteria della mostra è a Palazzo Reale. Per acquisti e prenotazioni on line: CoopCulture.it. Info: tel. 011 19560449 dal lunedì alla domenica in orario 9-18.

Orari: lunedì 10-18; dal martedì al venerdì ore 9-18; sabato ore 9 – 13. L’ultimo ingresso è sempre un’ora prima dell’orario di chiusura.

Aperture straordinarie e visite guidate a cura di CoopCulture: sabato 14 e 21 dicembre ore 9-18; domenica 15 e 22 dicembre ore 10-18; giovedì 26 dicembre 10-18; sabato 28 dicembre ore 14-18; domenica 29 dicembre ore 9-14.

Tariffe: intero € 10, ridotto € 2 (da 11 a 25 anni), in vigore gratuità di legge e tessere convenzionate.

LA MOSTRA

Leonardo nasce a Vinci, piccolo borgo alle porte di Firenze, il 15 aprile 1452. L’anno successivo Costantinopoli è conquistata dai turchi ottomani guidati da Maometto II e l’Impero Romano d’Oriente cessa di esistere. La sua caduta segna non solo la fine dell’Impero Romano, ma soprattutto la fine di un’epoca: molti storici datano al 1453 l’avvento dell’era moderna. Di questo evento straordinario, la Biblioteca Reale conserva preziose testimonianze quali manoscritti, alcuni di provenienza orientale, ed edizioni a stampa antiche. Negli stessi anni, tra il 1453 e il 1455, il tipografo e orafo tedesco Johannes Gutenberg, nella sua officina di Magonza, lavora con l’incisore Peter Schöffer alla produzione del primo libro stampato a caratteri mobili: La Bibbia delle 42 linee. L’intuizione del tipografo tedesco genera una vera e propria rivoluzione culturale: la produzione dei libri diventa una attività̀ seriale, riducendo tempi e costi rispetto alla realizzazione della copia manoscritta. La Bibbia delle 42 linee è uno dei libri più preziosi al mondo e gli esemplari completi di cui si abbia notizia sono quarantanove, nessuno dei quali conservato in Italia. La Biblioteca Reale possiede una carta del prezioso incunabolo che, in quest’occasione, viene esposta con altri esemplari di volumi per illustrare le principali tappe della diffusione del libro a stampa e le trasformazioni culturali e sociali generate. Tre anni dopo la caduta di Costantinopoli, nel 1456, il passaggio della cometa che prenderà il nome dall’astronomo Edmund Halley fa nascere nuove paure in Europa: la sua coda a forma di sciabola, infatti, sembra annunciare altri trionfi islamici. Papa Callisto III ordina ai cristiani preghiere, digiuni e penitenze. Il forte impatto dell’evento nella coscienza collettiva è testimoniato in numerose pubblicazioni e nell’iconografia di libri a stampa e manoscritti. La Firenze medicea nella quale Leonardo si è formato, esaminata dall’anno della congiura dei Pazzi, il 1478, è una magnifica fucina culturale dove si intrecciano le vite dei più grandi protagonisti del Rinascimento italiano quali Lorenzo de’ Medici, Agnolo Poliziano, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola, Sandro Botticelli. Nell’ottobre del 1480, Botticelli, Cosimo Rosselli, Domenico Ghirlandaio e Pietro Perugino lasciano Firenze per dirigersi a Roma, chiamati ad affrescare le pareti della Cappella Sistina: in mostra è esposto un disegno preparatorio del Perugino per la scena del Battesimo di Cristo. Deluso per non esser stato scelto tra i frescanti della Cappella di Sisto IV, per cercare affermazione lontano da Firenze, nella primavera del 1482 il giovane Leonardo si reca nella Milano di Ludovico il Moro, narrata nelle splendide miniature del manoscritto Leggendario Sforza–Savoia. In mostra sono presenti diverse testimonianze della vita di corte nella seconda metà del Quattrocento e, tra queste, un affascinante trattato manoscritto sul gioco degli scacchi e il Codice Sforza del giovane Ludovico il Moro. Nel 1487 il navigatore portoghese Bartolomeo Diaz, proseguendo le esplorazioni lusitane lungo le coste occidentali dell’Africa, raggiuge e doppia per la prima volta il promontorio all’estremità meridionale dell’Africa, detto Capo Tormentoso, rinominato Capo di Buona Speranza dal re Giovanni II di Portogallo, in riferimento alle interessanti prospettive commerciali ravvisabili dopo la sua scoperta. Vasco da Gama, inviato da Giovanni II nel 1497, porta a termine il tragitto verso le Indie affrontando un viaggio che ridisegna le mappe del mondo medievale, con conseguenze paragonabili all’impresa di Cristoforo Colombo, che raggiunse invece le coste americane nel 1492. L’esperienza di ingegnere civile e militare, acquisita da Leonardo alla corte milanese, torna utile nel 1502 quando Cesare Borgia lo convoca per sostenerlo nelle sue lunghe e sanguinose campagne militari. In quest’occasione, Leonardo consolida l’amicizia con Nicolò Machiavelli, che probabilmente aveva già avuto modo di conoscere nei suoi trascorsi fiorentini. Nel 1503, con l’elezione al soglio pontificio di Giulio II, mecenate di progetti dallo straordinario impatto culturale, riprende la Renovatio Urbis politica e culturale di Roma. Al papa della Rovere si deve anche l’incarico a Michelangelo Buonarroti di ridipingere la volta della Cappella Sistina. In mostra è esposto uno splendido studio di Sibilla, opera di Michelangelo, e alcuni fogli coevi raffiguranti dei particolari della volta affrescata. Il successore di Giulio II, Leone X de’ Medici, chiama Leonardo a Roma; qui l’artista continua i suoi studi senza tuttavia ricevere commissioni ufficiali. Grazie al papa, Leonardo incontra a Bologna Francesco I, re di Francia e mecenate delle arti, che seguirà nel 1517 trasferendosi ad Amboise. La mostra analizza anche le figure di Cosimo I de’ Medici, nato nel 1519, e di Carlo V, incoronato imperatore del Sacro Romano Impero nell’anno di morte di Leonardo. Immancabili i riferimenti anche ad altri grandi personaggi dell’epoca, quali Albrecht Dürer ed Erasmo da Rotterdam.

Trappola per topi al Teatro Erba di Torino

Dal 17 dicembre al 12 gennaio il Teatro Erba di Torino porta sul palcoscenico, nell’ambito della Stagione 2019-2020 della Compagnia Torino Spettacoli, lo spettacolo teatrale Trappola per topi di Agatha Christie per la regia di Piero Nuti.

L’arte di morire ridendo al Teatro Gobetti di Torino

Dal 17 dicembre al 6 gennaio il Teatro Gobetti presenta, nell’ambito di FAIR PLAY – la stagione 2019-20 del Teatro Stabile di Torino, lo spettacolo teatrale L’arte di morire ridendo di Paolo Nani.

Orario spettacoli
TEATRO CARIGNANO E GOBETTI
Martedì, giovedi e sabato ore 19.30
Mercoledì e venerdì ore 20.45.
Domenica ore 15.30.

Dopo il travolgente successo de La lettera, torna Paolo Nani con questo trionfo europeo, acclamato al London Mime Festival: 80 minuti di comicità e commozione senza parole, ma con tantissima vita dentro. Due clown (Nani e Thomas Bentin), un duo al culmine della carriera: improvvisamente uno di loro apprende che sta per morire. E tutto ciò deve proprio accadere a metà di un tour di grande successo?

di Paolo Nani

WEC WORLD ENTERTAINMENT COMPANY S.R.L.